Ultimatom

Cet article a été publié en "Tribune Libre" sur le site ActuaBD.com

Tout d’abord, rappelons quel procédé a utilisé le réalisateur Steven Spielberg sur le film « Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne » : La technique de "cinéma virtuel" consiste à enregistrer les mouvements des comédiens sur une surface appelée le "Volume". Les mouvements sont ensuite transformés en données directement dans un ordinateur, SANS passer par la case caméra, puisqu’il n’y en a pas encore à ce stade. Le résultat final n’est donc pas un film d’animation, car même si certains éléments du décor (en fait, tout ce qui n’est pas "comédien") sont animés en 3D, les jeux d’acteurs sont le résultat de vrais mouvements enregistrés. Comme il l’a déjà été souligné ailleurs, on peut donc parler de film hybride.

Au final, ce que cherche le metteur en scène n’est pas le photo-réalisme, mais plutôt une liberté totale au niveau de la mise en scène. Car, une fois que les comédiens sont partis, mouvements et voix dans la boîte, le réalisateur peut commencer sa mise en scène et choisir ses valeurs de plans, décider quand couper ou livrer des plans-séquences, où et qui cadrer, créer ses atmosphère de A à Z, etc.

Comme l’ont reproché d’aucuns, le film « Les aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne » nous donne l’impression de nous retrouver dans un jeu vidéo, surtout au moment où la moto tyrolienne entre dans Bagghar à la fin du film. Mais plutôt que de parler de jeu vidéo comme si c’était une insulte, très loin de moi cette idée, c’est surtout de passation de pouvoir entre un Tintin, personnage vulnérable, et un Tintin simple avatar qu’il est question.

Il est vrai qu’on a ainsi l’impression de ne rien craindre pour le personnage principal, notre implication étant refroidie par cette fluidité de mouvement, cette sensation qu’il ne peut rien arriver à Tintin, alors que si on y réfléchit, ce qu’il fait est tout simplement suicidaire (une chute de plusieurs étages, une course contre une inondation au guidon d’un side-car, un saut dans le vide suspendu à un oiseau).

Cette surenchère, si elle témoigne d’une désinhibition totale sur le plan de la créativité, enrichie par une profondeur de champ hallucinante, provoque un sentiment de suspension de l’histoire, qui n’aurait pas le même effet avec des acteurs live car au lieu de sombrer dans un côté vidéo-ludique (tout nous ramène à l’artificialité du personnage), l’action mettrait en valeur la dimension opératique des mouvements des comédiens se déplaçant tels des danseurs (il suffit de se remémorer les descentes en rappel sur les murs des HLM dans le film « Time and Tide » de Tsui Hark, ou le plan séquence dans l’hôpital dans « À toute épreuve » de John Woo, pour citer deux cinéastes de l’apesanteur). (Ci-dessous : une discussion sous tension dans les entrailles du Karaboudjan)

Ainsi, Tintin et Haddock (enfin, moins Haddock, car son penchant pour la bouteille lui donne un surplus d’humanité organique) ne sont plus que marionnettes, jamais fatiguées, passant une partie incroyable du film à démolir tout et n’importe quoi (un mur, un barrage, un avion), échappant aux rafales de balles.

À cet égard, il faut remercier l’équipe du film de nous proposer une première moitié plus traditionnelle, où les balles font mal et les voitures renversent. Le point d’orgue étant le plus beau moment du film selon moi, lorsque Tintin et le capitaine doivent échapper aux sbires d’Alan dans les coursives du Karaboudjan. Alors, certes, cela ressemble à un jeu d’infiltration du type Metal Gear Solid (toujours cette analogie au jeu vidéo dont il est difficile de se débarrasser), ce qui n’est pas un mal car le jeu est un chef-d’œuvre, mais l’ambiance sombre, la claustrophobie ambiante, le roulis du bateau, et la fuite autant devant les hommes de main que devant les bouteilles d’alcool constituent un très grand moment de cinéma.

Mais alors, où le bât blesse-t-il, si des films comme « La Légende de Beowulf » de Robert Zemeckis dégagent un dynamisme et des personnages de guerriers à la présence certaine ? Parlons crûment : si ce film fut si réussi, en dehors de ses qualités cinématographiques, c’est parce que ses personnages étaient des bêtes de guerre et qu’il s’y passait pas mal de saloperies. La première raison justifie les exploits numériques de ses avatars, la seconde apporte une "salissure" non négligeable en rendant plus organique, plus rentre-dedans, une technologie tendant à aseptiser ses sujets. (Ci-dessous, une image extraite de l'adaptation vidéo-ludique sur PS3)

Je pense que la technique du cinéma virtuel, dont l’aspect numérique doit être contre-balancé par une dimension physique, voire presque animale des personnages, est inévitablement plombée par ce qui fait justement le sel des aventures de Tintin en bande dessinée : un aspect irréel, cette impression qu’il ne peut rien arriver à ce garçon pur. Or, la séquence de la poursuite du faucon, avec comme point d’orgue ce plan de la tyrolienne, nous montre du grand spectacle, mais nous perd instantanément par son caractère factice. Si l’on vibre pour Tintin dans la première partie du film (l’affaire du pick-poket, la fuite du Karaboudjan), c’est parce que les exploits du petit reporter restent à échelle humaine. Dès que le côté super-héros (et c’est aussi valable pour Milou et Haddock, également increvables dans le dernier acte du film) prend le dessus, le caractère angélique de Tintin rend le spectacle fade.

Pour son coup d’essai avec cette technique de cinéma virtuel, Steven Spielberg s’est certainement senti pousser les ailes en terme de mise en scène, et si son film propose quelques excellents moments de pur cinéma, les excès de la dernière partie m’ont gâché mon plaisir et font se clôturer l’ensemble dans une impression de grand n’importe quoi.

Ecouter aussi ma chronique dans l'émission « Supplément Week-End » du samedi 15 octobre 2011.

Un film de Nicolas Winding Refn, avec Ryan Gosling, Bryan Cranston, Carey Mulligan, Albert Brooks, Ron Perlman.

Los Angeles, un pilote sans nom se fait payer en transportant des braqueurs. Seule condition : ne pas assister aux braquages. A part ça, il est cascadeur pour le cinéma, et bosse aussi dans un garage. Il fricote de plus en plus avec sa voisine craquante, mère d'un petit garçon, dont le père est sur le point de sortir de prison. Le quotidien du pilote se partage entre les errances nocturnes au volant en écoutant de la musique électro, et du bricolage dans le cambouis.

Mais sous ses airs d'autiste mutique, se cache un hyper violent à qui il ne faut pas se frotter.

Ce nouveau long-métrage de Nicolas Winding Refn (« Valhalla Rising », « Bronson ») est à ranger dans la catégorie des oeuvres vaporeuses, dans l'artistico-branchouille urbain (coucou Wong Kar Wai). Ce film traite de l'errance, une errance d'un homme comme hypnotisé par la route. Ne vous fiez pas à la bande-annonce, si vous vous attendez à du « Fast and furious », passez votre chemin. « Drive » est pourtant un film de braquage, et comporte deux séquences de poursuite automobile (la première est un sommet de tension et de maîtrise formelle, la seconde est plus classique et beaucoup plus énervée). Nous avons donc un film flirtant avec des conventions, celles du film de braquage, du film de mafieux, tout en tordant certaines règles au profit d'une approche plus arty.

« Drive » peut être considéré comme un film froid, mais n'est pas déshumanisé pour autant. Le triangle formé par le pilote, sa voisine et le garçon est sympathique, et même si l'utilisation du ralenti provoque une dilatation du temps, tout en induisant un sentiment de pleinitude pour le héros, et malgré des dialogues plus que réduits à l'essentiel, le metteur en scène arrive à faire passer une flopée de sentiments et d'impressions par l'utilisation du non dit et une maîtrise imparable du hors champ. La scène du dépannage sur le parking du supermarché, suivie de celle du verre d'eau, est à ce point exemplaire de cette volonté du réalisateur d'explorer la narration minimale, poursuivant l'expérimentation vers le muet déjà vue dans son opus précédent, dans un registre plus initiatique et barbare : « Valhalla Rising ».

Contraint de réduire son jeu au maximum, l'acteur Ryan Gosling donne au départ une impression de mollesse très désagréable, nous faisant craindre de nous coltiner près d'1h40 cet autiste. Mais la direction d'acteur du metteur en scène danois fait des prodiges, et la silhouette longiligne de Gosling, combinée avec sa blondeur diaphane, en font un personnage dépourvu de toute matérialité, traversant comme un fantôme cette histoire de valise de billets, meurtres sauvages, et règlements de compte, comme une entité n'ayant jamais existé. L'aspect fantômatique du personnage est d'ailleurs pointée du doigt dans l'une des dernières scènes du film, silencieuse, quand sa voisine tape à sa porte. Elle laisse la place à une conclusion en apesanteur, où le pilote, à cheval entre deux mondes, empoigne le volant dans une ultime virée.

Le territoire de ces errances, Los Angeles, est montrée comme rarement : des rues très larges étonnamment vides, seulement arpentées par des malfrats et des flics, et rappelle la démarche du réalisateur Michael Mann sur « Collateral », qui explorait la solitude de deux hommes dans un taxi. Navigant entre un univers nocturne mis en forme de manière arty, à base de ralentis et sans parole, et un monde de mafieux de jour, plus conventionnel et ultra-violent (le travail sur le son et les impacts de balles est saisissant), où un patron de pizzeria juif italien (Ron Perlman) offre au film son quota de dialogues, « Drive » joue sur ces deux univers pour décrire le personnage du pilote, et dresse un portrait en creux d'un homme vide, retrouvant une matérialité grâce à sa relation pourtant quasiment platonique avec sa voisine.

Un film surprenant, et ce dès son générique d'ouverture savoureusement décalé, lauréat d'un prix de la mise en scène à Cannes largement mérité.

Ecouter aussi ma chronique dans l'émission « Supplément week-end » du samedi 17 septembre 2011.

Un film de John Herzfeld, avec Paul Walker, Laurence Fishburne, Olivia Wilde, Jason Flemyng, Joaquim de Almeida, Keith Carradine. Disponible en DVD chez Metropolitan.

Tim Kearney est un ancien marine, devenu petite frappe souffre-douleur en prison. L'agent fédéral Gruzsa lui propose de se faire passer pour un légendaire trafiquant de drogue mort dont il est le sosie, afin de récupérer un vieil ami retenu en otage. Mais tout ne se passe pas comme prévu.

Dans la série des films ne cassant pas des briques mais flirtant avec la catégorie "navets" (après réflexion, oui, on peut dire que c'est un navet...), ce « Kill Bobby Z » a logiquement sa place. Dans la droite lignée des joyeux bazars mêlant trafiquants mexicains, femmes fatales, gangs de bikers, flics ripoux, tout cela dans le désert aride et agrémenté de bonnes vieilles valises poussiéreuses remplies de dollars sales, ce métrage est à voir entre potes, une bière à la main. Des acteurs habitués à ce genre de thrillers loufoques (Joaquim de Almeida en énième truand, Paul Walker endossant encore le jean délavé du bourlingueur décontracté), un Fishburne nous confirmant que la saga « Matrix » était bien l'arbre qui cachait la forêt de séries B nazes, et la magnifique Olivia - Numéro 13 - Wilde pour affoler tous ces mâles), tous les ingrédients sont réunis pour satisfaire les amateurs de cinéma décomplexé.

Sorti directement en vidéo chez nous, « Kill Bobby Z » ne restera pas dans les annales mais réserve quelques moments plutôt drôles. Bon là, en fait, je cherche une scène en particulier mais je ne trouve rien qui, sorti du contexte, fasse rire.

Difficile de dire qu'on passe une mauvaise soirée, ce serait plutôt le contraire, mais par manque d'ambition, de vraie mise en scène, de testostérone suffisamment appuyée, de personnages marquants et avant tout de bonnes grosses scènes qui cassent la baraque, cette petite tachounette en roue libre ne brillant dans rien en particulier fait le métier, comme on dit. Mais c'est du tièdasse. A noter que le titre en VO (« The death and life of Bobby Z ») parle plus que la version... "française" anglicisée.

Non, en fait, malgré toute la bonne volonté du monde, je me suis quand même ennuyé, je m'attendais à du crétin, mais le film n'est pas assez con pour être rigolo, ni assez sérieux pour sortir du lot. Tout simplement à oublier.

Ecouter aussi ma chronique dans l'émission « Supplément week-end » du samedi 24 septembre 2011.

Un film de Christopher Sun, avec Hiro Hayama, Leni Lan, Saori Hara, Tony Ho.

Attaquons les préliminaires : Wei Yangsheng est un jeune noble fraîchement marié à la belle Tie Yuxiang, mais le jeune homme se découvre éjaculateur précoce et désavantagé par la nature. Pour acquérir une virilité, il part faire copain copain avec le redoutable prince Ning, un despote débauché qui va lui révéler ses secrets, et lui prêter quelques courtisanes. Mais cette quête de la virilité ne va pas se faire sans difficulté, mais ne déflorons pas l'intrigue.

Il s'agit d'un remake du premier épisode de la trilogie « Sex and Zen » des années 90 par réalisée par Michael Mak (l'actrice Shu Qi avait fait ses début dans le deuxième film), mais doté en plus de la technologie 3D. Pour le reste, ce métrage se veut un pur film de sabre chinois (Wu Xia Pian), avec de belles étoffes en soie (qui cette fois, s'enlèvent vite au lieu de voleter au rythme des entre-chats de princesses en apesanteur). Au menu des réjouissances, nous avons donc des poignards volants, une grosse référence à « Kill Bill », une greffe de membre d'origine... animale, une tripotée de demoiselles toutes plus magnifiques les unes que les autres, et un personnage de transexuel très poumonné, dont le membre viril, à l'instar des queues de singes des super saiyen dans « Dragon Ball Z », reste enroulé le long de sa jambe.

Au milieu de toutes ces scénettes de rapprochements déshabillés, celles que l'on retiendra sont celle de la copulation en suspension, où le prince lubrique s'empare d'une courtisane tout en se suspendant d'un bras à une chaîne pendue au plafond, un lancer de poignards "à effets" par un défloreur aux muscles saillants et la barbe crasseuse, le meurtre d'une courtisane par va-et-vients trop insistants, et le viol par une nymphette d'un moine bouddhiste, dont la récitation de sutras ne le préserve pas longtemps d'une réaction enflammée aux frottis frottas de la donzelle.

Si le film mise sur l'humour et un côté sexy-bonne humeur dans les deux premiers tiers, le dernier acte vire franchement dans le gore, mettant en scène des tortures, punitions corporelles et mutilations en tous genres, s'étirant sur une durée interminable et presque désagréable sur la fin. Voilà un aspect du film que n'aurait pas renié le Tobe Hooper période « Sade », car même si les plaies restent hors champ, l'ambiance "youpi tralala" du début a cédé la place à une maison des horreurs où chaque personnage finit bien puni de ne pas avoir su rester chaste. C'est d'ailleurs la morale du film, la chair pervertit, et rien ne vaut la bonne vieille ceinture de chasteté pour trouver la pleinitude et le bonheur... Mouais.

J'ai parlé plus haut de technologie 3D, les lubriques vont être déçus, point de 3D durant les ébats (les caméras embarquées à bord de membres vigoureux sont plutôt dans les animés hentaïs), mais plutôt dans les statues et décors kitsch du palais du prince, ainsi que dans les armes blanches qui volent vers la caméra. Rien de croustillant à se mettre sous la dent donc.

Je finirai cette chronique en précisant que ce film a juste battu le record de fréquentation d'un certain... « Avatar » (oui, celui de James Cameron) en engrangeant 360 000$ de recettes le premier jour, pour un budget total de 3 millions. La classe ! A quand un Tsui Hark version érotique ?

Ecouter aussi ma chronique dans l'émission « Supplément week-end » du samedi 10 septembre 2011.

Un film de Kim Jee-woon, avec Lee Byung-Hun, Choi Min-sik.

Soo-hyun est un agent des services secrets, dont la petite amie est sauvagement torturée, assassinée et découpée par un tueur en série. Très vite, il démasque le tueur en pleine récidive, mais au lieu de le livrer aux autorités ou le supprimer, il s'acharne sur lui avant de le remettre en liberté. S'ensuit un jeu du chat et de la souris où Soo-hyun prend un malin plaisir à balader le psychopathe.

Mais contre toute attente, la proie se révèle plus coriace que prévue et se prend au jeu. Qui manipule l'autre ? Tandis que les victimes collatérales s'accumulent et que les autorités s'en mêlent, rien ne peut faire dévier Soo-hyun, pris dans un engrenage auto-destructeur...

Déjà réalisateur du thriller « A bittersweet life », de l'angoissant « Deux soeurs » et du western hommage « Le bon, la brute et le cinglé », Kim Jee-woon prouve avec cette chasse ultra-violente qu'il peut s'attaquer à tous les genres, et emboîter le pas de ses compatriotes dans le sillon du thriller implacable et désespéré. Une série de films sud-coréens, de « Old boy » à « The Chaser », en passant par « No Mercy » ou le plus soft « Memories of murder », réputés pour leur violence extrême, des chasses à l'homme jusqu'au-boutistes favorisées par l'inefficacité chronique de la police, et un refus systématique du happy end où le criminel a bien souvent le temps de faire souffrir mille morts à ses victimes avant de se faire supprimer (quand il ne s'en sort pas la plupart du temps).

Dans « J'ai rencontré le diable », on assiste à un face à face survitaminé entre deux chasseurs habités, portés par deux acteurs au sommet de leur art. Si le talent de Lee Byung-hun (acteur fétiche du réalisateur) arrive à apporter une consistance exceptionnelle à un super-agent qui avait tout pour faire pâle figure au milieu de cette meute de déglingués psychopathes, c'est bel et bien de nouveau Choi Min-sik (le meilleur acteur du monde ?), déjà phénoménal dans « Old Boy », qui bouffe chaque scène où il apparaît avec l'appétit d'un ogre cannibale. Le premier est affûté, aussi froid et déterminé qu'une lame tranchante, détruit de l'intérieur et bouffé par une quête désespérée, tandis que l'autre donne sa silhouette ronde à un profiteur de chaque instant d'infâmie, qui n'a plus rien à perdre et redemande même des sévices sur sa personne comme pour se sentir vivant.

Brillamment construit, pouvant se clore cent fois mais sans cesse relançant une machine nous plongeant de plus en plus dans le glauque, explorant de nouvelles strates d'horreurs à mesure que le chassé déteint sur le chasseur, les frontières se brouillent, le spectateur perd ses repères, des actes répréhensibles sont commis et choquent d'autant plus qu'ils sont la plupart du temps relégués hors champ. La traque infernale ne sombre jamais dans l'incohérence et parvient comme par miracle à chaque fois à nous garder dans son sillon sans nous faire décrocher.

Un grand thriller, un uppercut doublé d'un empalement au coûteau de boucher rouillé et bien crade, qui nous laisse pendu dans un antre perdu au milieu de nulle part. Le supplice n'est pas fini, loin de là. Nous entendre crier ? Non, y a personne à part le tueur...